Le cubisme, tout sur l'histoire de l'art cubiste 

De 1907 à 1914, Pablo Picasso et George Braque, en compagnie d’une poignée d’autres artistes, dont Robert Delaunay et Fernand Léger, développent le cubisme, l’un des mouvements les plus innovateurs de l’histoire de l’art contemporain.

Mouvement de très courte haleine, le cubisme n’a pratiquement duré que le temps de la carrière de son principal acteur, Pablo Picasso. Proche du futurisme, de l’orphisme et du constructivisme russe, le cubisme a eu une remarquable influence sur l’histoire de l’art moderne.

Histoire du cubisme

En 1907, lorsque Guillaume Apollinaire présente George Braque à Pablo Picasso, il ne se rend pas compte qu’il vient d’allumer l’un des plus importants flambeaux de l’histoire de l’art.

Les deux peintres, déjà bien établis dans le milieu de l’art parisien de l’époque, se lient immédiatement d’amitié. Picasso montre alors à Braque la toile sur laquelle il travaille : Les Demoiselles d’Avignon. Bien que les experts de l’histoire de l’art ne s’entendent pas tous sur ce point, il semble que cette toile, peinte en 1907, soit la toute première œuvre cubiste.

À partir de ce moment, Picasso et George Braque entrent dans une longue période de recherche artistique, dans le but de détailler, dans un espace bidimensionnel, toutes les facettes d’un élément pictural.

L’influence du cubisme sur l’art contemporain est immense : le cubisme abolit la perspective, élément central de la peinture depuis la renaissance, et ouvre également la voie à l’abstraction.

La recherche artistique autour du cubisme qui unit depuis des années Picasso et Braque est stoppée nette en 1914, lorsque Braque est appelé au front. Il ne recommencera à peindre qu’en 1917.

Origines du cubisme

Le cubisme, qui apparaît officiellement vers 1908, s’inspire des théories artistiques de l’impressionniste Paul Cézanne ainsi que de l’art africain, qui arrive en Europe au début du 20e siècle.

L’appellation « cubisme » apparaît en 1908. Elle décrit les explorations artistiques conjointes de Georges Braque, Pablo Picasso, Juan Gris, Fernand Léger, Jean Metzinger et plusieurs autres artistes.

Inspiration du cubisme

La première source d’inspiration de Braque et de Picasso est l’œuvre de Paul Cézanne. Cézanne (1839-1906) est un impressionniste qui a exploré la déconstruction des figures et l’utilisation de formes géométriques pour représenter les différentes facettes de ces figures. Les premières recherches artistiques de Braque et de Picasso en matière de cubisme reprennent ces concepts de l’œuvre de Cézanne.

Le cubisme s’inspire également de l’art africain. Au début du 20e siècle, l’Europe s’ouvre à l’art africain, grâce au fauvisme, en particulier Henri Matisse et Paul Gauguin.

Oeuvre majeur cubiste

L’une des peintures qui illustrent le mieux les origines du cubisme est Les Demoiselles d’Avignon de Picasso. Dans cette œuvre, on peut observer à la fois l’influence africaine dans les traits des femmes qui ressemblent à des masques africains, et l’influence de Cézanne dans la palette de couleurs et la géométrie des corps.

Première utilisation du mot cubisme

Lorsque Louis Vauxcelles, le célèbre critique d’art français, utilise pour la première fois le terme de « cubisme », c’est pour décrire des dessins de Georges Braque. En effet, la description classique du cubisme est celle de l’œuvre de Braque et de Picasso.

Cependant, plusieurs autres artistes ont tout autant fait partie du cubisme. C’est le cas des membres du Groupe de Puteaux, aussi connu sous le nom de la Section d’Or, qui a rassemblé Jean Metzinger, Henri le Fauconnier, Fernand Léger et Robert Delaunay. Delaunay, pour sa part, a aussi inventé l’orphisme, une branche du cubisme se rapprochant de l’abstraction.

Influence de l'art africain

À la fin du 19e et au début du 20e siècle, l'élite culturelle européenne découvrait l'art africain et amérindien d'Amérique pour la première fois. Des artistes tels que Paul Gauguin, Henri Matisse et Pablo Picasso ont été intrigués et inspirés par la puissance et la simplicité de ces styles provenant de cultures étrangères.

Autour de 1904, Picasso a rencontré Matisse avec l'aide de Gertrude Stein, à un moment où les deux artistes avaient récemment acquis un intérêt dans l'art africain et les masques de tribus africaines.

Ils sont devenus des rivaux amicaux et se sont concurrencés au long de leur carrière. Cela a peut-être même conduit Picasso à entrer dans une nouvelle période de son travail, en 1907, marquée par l'influence de l'art grec, ibérique et africain.

Les peintures de Picasso de 1907 ont été caractérisées comme Précubistes, notamment vu Les Demoiselles d'Avignon.

École cubiste de Montparnasse

Le cubisme a été repris par de nombreux artistes à Montparnasse et promu par le marchand d'art Daniel-Henry Kahnweiler. Devenant ainsi populaire tellement rapidement qu’en 1911, les critiques se réfèrèrent à une « école cubiste » des artistes.

Toutefois, bon nombre d'artistes qui se voyaient eux-mêmes comme cubistes sont allés dans des directions très différentes de Braque et de Picasso.

Les différentes phases du cubisme

La première phase du cubisme, nommée « précubisme » ou cubisme cézanien, est fortement influencée par l’art et les recherches de Paul Cézanne, qui s’intéresse déjà à la représentation de plusieurs perspectives et à l’utilisation de sphères, de cylindres et de cubes pour illustrer un objet.

Dès 1910, cependant, Braque et Picasso ont évolué vers un style qui leur est plus personnel, le cubisme analytique. Cette phase intermédiaire du cubisme est la plus hermétique : à force de détailler les différentes facettes d’un objet, celui-ci devient de plus en plus abstrait à l’œil du spectateur.

La dernière phase du cubisme est le cubisme synthétique (1912-1914), se veut un retour vers un style de peinture plus facile pour l’œil du spectateur, qui fait usage de techniques de trompe-l’œil, de collages et de mélange des matériaux.

L'historien anglais Douglas Cooper décrit trois phases du cubisme dans son livre « The Cubist Epoch ». Selon Cooper, il y a eu le petit cubisme (de 1906-1908), au cours duquel le mouvement a été initialement développé dans les studios de Picasso et de Braque, la deuxième phase est appelée le haut cubisme (de 1909 à 1914), au cours duquel Juan Gris a émergé comme figure importante et, enfin, Cooper se réfère à la fin du cubisme (de 1914 à 1921) comme la dernière phase radicale du cubisme.

Cubisme cézanien

Le cubisme cézanien, comme son nom l’indique, est largement inspiré de l’œuvre et des recherches de Paul Cézanne. Les œuvres de cette période ont été peintes entre 1907 et 1910.

Caractérisé par des angles prononcés, des corps en volumes et une brutalité parfois chaotique, le cubisme cézanien rassemble plusieurs grandes œuvres, dont Les demoiselles d’Avignon de Pablo Picasso.

Paul Cézanne et le cubisme cézanien

Paul Cézanne (1839-1906), peintre français largement associé à l’impressionnisme, est à l’origine du cubisme qualifié de cézanien.

Sa maîtrise de la composition et de la conception de l’image, ainsi que de la couleur, ont inspiré la plupart des mouvements artistiques du 20e siècle. Grâce à de petits coups de pinceau, ses peintures représentent à la fois l’expression directe d’un sujet, ainsi que la sensation ressentie par l’œil du spectateur, plus abstraite.

Intéressé par la simplification des formes et la multiplication des perspectives, Cézanne a effectué dans ses dernières années beaucoup d’expérimentations optiques qui ont influencé Georges Braque et Pablo Picasso au début de leur carrière.

À partir de 1870, Cézanne peint une série de toiles où se baignent des hommes et des femmes, particulièrement influente pour les cubistes. Les corps des Baigneurs sont représentés tout en volumes et en couleurs, et dans leurs muscles, on voit la simplification des formes que recherchait Cézanne.

Oeuvres d'art célèbres du cubisme cézanien

Parmi les œuvres les plus célèbres du cubisme cézanien, on compte Les demoiselles d’Avignon de Picasso. Peinte en 1907, cette œuvre, maintenant exposée au MoMA de New York, est considérée comme la première toile cubiste. Jouant à la fois avec des contrastes de textures et de couleurs, des perspectives multiples et un sujet provoquant, cette toile se veut un pied-de-nez aux normes picturales et artistiques de l’époque.

Suite aux Demoiselles d’Avignon, Braque et Picasso, qui se rencontrent en 1907 par l’intermédiaire du poète Guillaume Apollinaire, mènent une série d’expérimentation avec les formes du cylindre, de la sphère et du cône qui, selon eux, peuvent contenir toute la nature.

Peu après les Demoiselles de Picasso, Georges Braque peint Le Grand nu, qui reprend largement l’idée de géométrification des corps de Cézanne. Comme le soutiennent plusieurs experts, le nu au centre de cette toile semble avoir été déplié, tel une construction en papier origami, afin que Braque puisse illustrer pour l’œil du spectateur toutes les facettes de son corps à la fois.

Le puissant contraste des couleurs froides et chaudes, que l’on retrouve également dans Les demoiselles d’Avignon de Picasso, semble être inspiré du fauve Henri Matisse.

Cubisme analytique

Entre 1910 et 1912, braque et Picasso décomposent les figures en toutes les facettes possibles. Les dessins géométriques ainsi formés font partie de la période analytique.

Entre 1910 et 1912, Braque et Picasso quittent le cubisme cézanien pour décomposer leurs sujets et en montrer au monde le plus de perspectives possible à la fois.

Le cubisme analytique cherche à représenter la réalité en n’utilisant, dans la mesure du possible, que des cylindres, des sphères et des cônes. À cette époque, Braque et Picasso s’intéressent surtout à la représentation humaine et fragmentent leur sujet afin d’offrir à l’œil du spectateur une multitude de points de vue à la fois.

Différences du cubisme analytique

Les œuvres issues de cette période du cubisme demandent un plus grand déchiffrage que les autres. En ce sens, on dit souvent qu’elles sont plus hermétiques. La plupart des œuvres produites selon le cubisme analytique sont monochromatiques, dans les tons de bleu, de gris ou d’ocre.

Les œuvres de cette période du cubisme se détachent de plus en plus de la représentation d’éléments du réel. C’est le cas, par exemple, de la Jeune fille à la mandoline de Picasso (1912), où le sujet, décomposé en une myriade de facettes, se confond avec l’arrière-plan, lui-même fragmenté. Ne serait-ce du titre et de quelques éléments facilement distinguables (les cordes de la mandoline, la chevelure de la jeune fille), l’œil du spectateur aurait sûrement du mal à déchiffrer cette toile.

Oeuvres du cubisme analytique

Au fil des mois du cubisme analytique, les œuvres de Braque et de Picasso se complexifient de plus en plus. Le Portugais de Braque (1911) en est un bon exemple. À force de décomposer le sujet de la peinture, celui-ci se perd, emmenant avec lui tout rapport à la réalité.

Juan Gris, qui s’est joint aux cubistes à l’époque du cubisme analytique, a également produit quelques œuvres se rattachant à cette branche. On compte parmi celles-ci Cruche, bouteille et verre, peinte en 1911, où une intéressante exploration des formes offre au spectateur une perspective distordue des trois objets nommés dans le titre, qui pourrait être vue à travers un morceau ciselé de verre.

Fin de la phase analytique

Souvent vu comme une phase d’exploration transitoire entre le cubisme cézanien et le cubisme synthétique, le cubisme analytique ne captive ni Braque, ni Picasso pendant très longtemps. Soucieux de conserver un lien à la réalité, les deux chefs de file du cubisme s’affairent, dès 1912, à le ramener dans leurs œuvres au moyen de divers dispositifs esthétiques.

Cubisme synthétique

De 1912 à 1914, la dernière phase du cubisme prend place. Il s’agit d’une clarification du style comparativement au cubisme analytique. Le cubisme synthétique se concentre plutôt sur les trompe-l’œil et des explorations artistiques plus libres.

Plutôt qu’une analyse des perspectives, le cubisme synthétique se veut un bilan des différentes perspectives d’un même objet. Entre 1912 et 1914, Georges Braque et Pablo Picasso explorent la peinture dans cette phase ultime du cubisme.

Techniques du cubisme synthétique

Retour à l’utilisation de couleurs vives, variation des matériaux et nouvelles techniques sont les caractéristiques esthétiques qui marquent le cubisme synthétique. Picasso explore le potentiel du faux bois, des toiles cirées, du tissu et du collage.

Georges Braque débute ses œuvres en papier collé, technique qui consiste à coller des morceaux de papier de diverses textures et provenances sur une toile en cours, afin de créer un trompe-l’œil pour le spectateur.

Entre les cubismes analytique et synthétique, Picasso et Braque emploient également des lettres dans leurs collages, dans l’optique de toujours conserver dans leur art un lien au réel. Dans Nature morte à la chaise cannée (1912), le premier collage à avoir été considéré comme une œuvre d’art, Picasso appose les lettres J O U, laissant le spectateur à se demander si elle signifient journal ou bien jeu/joue.

Nature morte à la chaise cannée, devenue l’une des plus illustres peintures de Picasso, a ouvert la voie à plusieurs techniques dadaïstes et surréalistes.

Influence du cubisme synthétique

Certains experts voient également dans cette nature morte un précurseur des Ready-made de Marcel Duchamp, car jamais auparavant un artiste n’a-t-il inclus des éléments externes, en l’occurrence déjà prêts, à une œuvre d’art.

Après avoir imité le bois peint dans Nature morte aux cartes à jouer, Georges Braque choisit, dans Compotier et verre (1912), d’inclure des adhésifs de faux-bois. Sortant de leur contexte habituel, les motifs tels celui du faux-bois ont pour fonction de rattacher la toile au réel, en rappelant des éléments de la vie quotidienne au spectateur.

Fin du cubisme synthétique

L’avènement de la Première Guerre mondiale, en 1914, marque la fin du cubisme synthétique, car Georges Braque est appelé pour aller au front.

Cela signe la fin de la compétition entre Picasso et son collègue. Picasso, par ailleurs, se désintéresse peu à peu du cubisme : les artistes s’étant joints au mouvement avec les années ne rejoignent plus ses idéaux, à la fois artistiques, politiques et esthétiques.

Parmi les nouveaux artistes cubistes, on compte Robert Delaunay, maître du cubisme orphique.

Cubisme orphique

Le cubisme orphique est une branche du mouvement qui s’approche de l’abstraction, caractérisée par des cercles concentriques et une utilisation plus libre des couleurs.

Entre 1914 et 1920, Robert Delaunay et sa femme s’éloignent quelque peu du cubisme analytique pour créer des œuvres plus lyriques, voire abstraites. Le cubisme orphique, caractérisé par des cercles concentriques et une utilisation plus libre de la couleur, est dynamique, rythmé et intrigant.

Qu'est-ce que le cubisme orphique?

Selon le poète Guillaume Apollinaire, le cubisme orphique est le point de rencontre de l’impressionnisme, du pointillisme, du fauvisme et du cubisme. L’orphisme tient par ailleurs son nom d’un poème d’Apollinaire, Orphée, où l’auteur fait l’éloge d’une beauté pure et abstraite qui transcenderait les arts.

Début de la phase orphique

L’orphisme apparaît pour la première fois en 1913, au Salon des indépendants. À ce salon participent entre autres Robert et Sonia Delaunay, un couple de peintres associés au cubisme, et les têtes d’affiche de l’orphisme.

Parmi les plus importants travaux de Robert Delaunay dans le domaine de l’orphisme, on compte Formes circulaires. Soleil n° 2, une toile qui s’inscrit dans une large série, dont les principales pièces appartiennent aujourd’hui au Centre Pompidou de Paris et au MoMA de New York.

Sonia Delaunay, quant à elle, a produit Contrastes simultanés, une série de trois œuvres qui fait partie d’une importante exploration nommée Fenêtres.

Grâce à leurs recherches et explorations, les Delaunay ont participé à affirmer la théorie de l’histoire de l’art qui veut que chaque représentation plastique d’un objet produit un sens particulier.

Une phase plus abstraite

Bien que le mouvement orphique évolue à la base du cubisme analytique, il a un penchant beaucoup plus abstrait que l’art de Picasso et Braque.

Plutôt que de détailler les objets en multiples facettes, comme le veut le cubisme analytique, le cubisme orphique créé ses propres représentations, se servant de la forme et de la couleur afin de causer des sensations chez le spectateur.

La plupart des œuvres du cubisme orphique se servent de cercles concentriques, de différentes couleurs.

Artistes du cubisme orphique

Outre les Delaunay, d’autres artistes ayant pris part au cubisme orphique sont František Kupka, Fernand Léger, Francis Picabia et Marcel Duchamp. Le mouvement artistique du synchronisme et le groupe allemand Blaue Reiter se sont également inspirés du cubisme orphique.

Artistes derrière le cubisme

Outre les pères du cubisme, plusieurs autres artistes ont participé à ériger ce monument de l’art contemporain. Parmi ceux-ci, Robert et Sonia Delaunay, inventeurs du cubisme orphique, une variation du cubisme analytique ; Fernand Léger, père du tubisme ; Henri le Fauconnier, Jean Metzinger et Juan Gris.

Bien que surtout présent en peinture, le cubisme a également connu quelques œuvres en 3 dimensions, réalisées par Picasso, Jacques Lipchitz ou Henri Laurens.

Le Groupe de Puteaux (Section d'or)

Le Groupe de Puteaux a été une importante scision au sein du mouvement cubiste. Il inclut Guillaume Apollinaire, Robert Delaunay, Marcel Duchamp, ses frères Raymond Duchamp-Villon et Jacques Villon, Fernand Léger et Francis Picabia ainsi que d'autres artistes associés au cubisme, notamment Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Max Weber, Diego Rivera, Marie Vorobieff, Louis Marcoussis, Jeanne Rij-Rousseau, Roger de La Fresnaye, Henri Le Fauconnier, Alexander Archipenko, František Kupka, Amédée Ozenfant, Léopold Survage et Patrick Henry Bruce, entre autres.

La Section d'Or est un autre nom pour un groupe comprenant un bon nombre de ces mêmes artistes qui étaient associés au cubisme et à l'orphisme.

Pour en savoir plus sur le Groupe de Puteaux, je vous invite à lire ce dossier totalement consacrer à ce groupe d'artiste.

Georges Braque

L'artiste Georges Braque, avec Picasso, a créé le cubisme et a, par le fait même, révolutionné l'histoire de l'art. Ce peintre créa des oeuvres cubistes jusqu'à ce qu'il dû quitter Paris pour aller se battre à la guerre.

Georges Braque (13 mai, 1882, au 31 août 1963) a été l'un des principaux peintres et sculpteurs français du 20e siècle. Il a, avec Pablo Picasso, créé le mouvement artistique du cubisme.

Intérêt pour la géométrie et la perspective simultanée

Les peintures de Braque, de 1908 à 1913, ont commencé à refléter son nouvel intérêt pour la géométrie et la perspective simultanée. Il a mené une intense étude sur les effets de la lumière, la perspective et les techniques que les peintres utilisent pour représenter ces effets.

Dans les scènes de son village, par exemple, Braque réduit souvent une structure architecturale en une forme géométrique se rapprochant de celle d’un cube. L’ombre de la structure, elle, donne l’illusion d’être plate et en trois dimensions en même temps. De cette façon, Braque place l'attention sur la nature même de l'illusion visuelle et de la représentation artistique.

Sa collaboration avec Picasso

À partir de 1909, Braque a commencé à travailler en étroite collaboration avec Pablo Picasso qui avait développé une approche similaire dans sa peinture.

L'invention du cubisme est un effort conjoint entre Picasso et Braque, puis les résidents de Montmartre, à Paris. Ces artistes ont été les principales figures de ce mouvement artistique innovateur.

Après s'être rencontrés en 1907, Braque et Picasso ont commencé à travailler sur le développement du cubisme, en 1908. Les deux artistes produisirent des peintures de couleur neutre et de forme complexe, à plusieurs facettes, maintenant étiquetées comme faisant partie du cubisme analytique.

En 1912, ils ont commencé à expérimenter le collage avec du papier collé.

Leur collaboration a continué et ils ont travaillé en étroite collaboration jusqu'au déclenchement de la Première Guerre mondiale, en 1914, lorsque Braque, enrôlé dans l'armée française, dû quitter Paris pour aller se battre.

Pour en savoir plus sur Braque, je vous recommande de consulter cet article totalement consacrer au peintre Georges Braque.

Pablo Picasso

Le célèbre peintre cubiste, figure incontournable de l'art, Pablo Picasso, est le co-fondateur du cubisme. Son oeuvre Les Demoiselles d'Avignon est considérée comme étant une oeuvre d'art pré-cubiste.

Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad martyr Clito Patricio Ruiz y Picasso (25 octobre, 1881, au 8 avril 1973) est un peintre cubiste, dessinateur et sculpteur espagnol andalou. Un des plus reconnus dans l'histoire de l'art du XXe siècle.

Tête d'affiche du cubisme

Il est surtout connu pour être le co-fondateur du mouvement artistique cubiste et pour la grande variété de styles incorporés dans ses oeuvres d'art. Parmi les oeuvres de Picasso les plus célèbres, on trouve le tableau proto-cubiste Les Demoiselles d'Avignon (1907) et sa représentation du bombardement allemand de Guernica pendant la guerre civile espagnole, Guernica (1937).

Exposition de ses oeuvres

Le travail de Pablo Picasso est souvent classé par périodes. Alors que les noms de plusieurs de ses périodes ultérieures font l'objet de débats, les périodes les plus communément acceptées de son travail sont sa période bleue (1901-1904), sa période rose (1905-1907), sa période influencée par l'art africain (1908-1909), le cubisme analytique (1909-1912), et le cubisme synthétique (1912-1919).

En 1939, le "Museum of Modern Art" de New York, sous la supervision de son directeur Alfred Barr, un passionné des tableaux de Picasso, a mis en place une rétrospective de ses principales oeuvres d'art importante et très réussie.

En plus d'en mettre plein la vue au public, cette exposition fut très importante pour l'artiste et aboutit à une réinterprétation de son travail par les historiens de l'art contemporain et les chercheurs.

Influence de Picasso

L'influence de l'art africain, qui a duré de 1907 à 1909, a été la période où Pablo Picasso a peint avec un style fortement influencé par la sculpture africaine. Cette période, qui a suivi sa période bleue et sa période rose, a également été parfois qualifiée de période nègre ou période noire.

Après la peinture « Les Demoiselles d'Avignon », Picasso a commencé à peindre dans un style influencé par les deux figures du côté droit du tableau qui étaient fondées sur l'art africain. Bien que cette peinture soit considérée comme la première oeuvre cubiste, avant même le début de sa phase cubiste, on peut clairement voir qu'il a passé plusieurs années à explorer l'art africain.

Pendant ce temps, l'empire français était en pleine expansion en Afrique et les artefacts d'Afrique ont été ramenés dans les musées Paris. La presse bourdonnait d’histoires exagérées, de cannibalisme et de contes exotiques à propos du royaume africain de Dahomey. La maltraitance des Africains dans le Congo belge était un sujet chaud.

Il était donc naturel, dans ce climat, que Picasso tourne son intérêt vers les objets africains comme source d'inspiration.

La période noire de Pablo Picasso a été suivie par Le cubisme analytique qui s’est également développé à partir de « Les Mademoiselle Mignonne ».

Plus précisément, cet intérêt de Picasso a été déclenché par Henri Matisse qui lui a montré un masque africain. Les chercheurs soutiennent que Matisse a acheté ce morceau à la boutique Emile Heymenn dans l'ouest de Paris.

Pour en savoir plus sur Picasso, je vous recommande de consulter cet article complètement dévouer au peintre Pablo Picasso.

Tous les artistes célèbres

Cubisme international

En 1913, les États-Unis ont été exposés au cubisme et à l'art moderne européen lorsque Jacques Villon présenta sept importantes et grandes oeuvres à la célèbre Armory Show de New York. Braque et Picasso ont eux-mêmes passé par plusieurs phases distinctes avant 1920, et certains de ces travaux ont été vus à New York, avant l'Armory Show.

Des artistes tchèques qui ont réalisé l'importance historique du cubisme de Picasso et de Braque ont tenté d'extraire ces éléments pour leur propre travail, dans toutes les branches de la création artistique - en particulier dans la peinture et l'architecture.

Ceci s’est développé en un cubisme tchèque qui est un art d'avant-garde du mouvement tchèque promoteur du cubisme actif, principalement à Prague, de 1910 à 1914.

La sculpture cubiste

Le cubisme a également été présent en sculpture. Picasso, notamment, en a réalisé plusieurs, tout comme Henri Laurens et Jacques Lipchitz.

L’ère de la sculpture cubiste dure moins longtemps encore que celle de la peinture, cependant plusieurs artistes de renom s’en inspirent pour créer de nouveaux mouvements artistiques : c’est le cas, par exemple, de Duchamp-Villon (futurisme), de Pablo Gargallo et d’Alexander Archipenko.

Influence du cubisme

L’influence du cubisme sur l’art contemporain est immense : le cubisme abolit la perspective, élément central de la peinture depuis la Renaissance, et ouvre également la voie à l’abstraction.

En ce sens, le cubisme a aidé l’émergence, après la Première Guerre mondiale, du Bauhaus, du dadaïsme, du futurisme et du rayonnisme.

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