Qu'est-ce qu’un autoportrait ? 

Histoire de l'autoportrait

L'histoire de l'autoportrait remonte très loin dans l'histoire de la peinture des arts. Les peintres de la renaissance ont peint plusieurs autoportraits aujourd'hui très célèbres.

À partir du quinzième siècle, au début de la renaissance, les artistes ont commencé à être identifiés comme des personnages importants en se représentant eux-mêmes comme sujet principal. À cette époque, avec l’avènement du portrait sur panneau, les artistes essayaient de se représenter sous plusieurs formes d’autoportrait.

C’est ainsi qu’en 1433, l’artiste Jan Van Eyck se représenta comme un homme avec un turban. Cet autoportrait fut reconnu comme la plus ancienne des représentations sur un panneau.

Ce genre de représentation fut vénérable, mais pas jusqu'à la Renaissance. Avec l’augmentation de la richesse et l'intérêt de l'individu en tant que sujet, ce genre est devenu vraiment populaire.

L'utilisation du miroir par l'artiste

Le miroir est l’outil de prédilection des portraitistes qui désirent produire un autoportrait. Par contre, du au coût des grands miroirs beaucoup utilisent de petit miroir ce qui les contraint a faire de simple buste d'eux même.

Dans l'époque moderne, les artistes hommes et femmes se peignent au travail. Ceux-ci font leurs portraits dans leurs plus beaux habits et dans la meilleure pièce ou dans un atelier. En Europe au 15e siècle, l'autoportrait était supposé en théorie utiliser un miroir. Les premiers miroirs utilisés étaient convexes, en introduisant des déformations que l'artiste parfois conservait.

En 1524, un autoportrait de l’artiste Parmigianino dans un miroir montre le phénomène. Les miroirs permettent des compositions surprenantes comme le triple autoportrait de Johannes Gumpp en 1646, ou plus récemment celle de l’artiste Salvador Dalí. L’utilisation du miroir donnait souvent chez les peintres droitiers qui se représentaient l’impression de la main gauche et inversement.

Indices du miroir

Plus souvent, le visage peint est donc une image vue du miroir plutôt que celle que le reste du monde a vue. Avant 1960, la plupart des portraitistes comme Rembrandt montrent une seule main, la main qui peint est laissée non peinte. Celui-ci a acheté un grand miroir vers 1652, après quoi ses autoportraits deviennent plus grands. En 1658, un grand miroir dans un cadre en bois a éclaté, en cours de transport dans sa maison ; néanmoins, cette année-là, il a terminé son plus grand autoportrait « Frick ».

On assiste à une limitation de la taille des miroirs jusqu'à ce que les progrès techniques soient réalisés en France en 1688. Les miroirs sont également restés très fragiles et les grands sont beaucoup plus chers. Environ 80 cm, cela semble avoir été la taille maximale jusque-là, à peu près la taille du miroir palais à Las Meninas.

Raison pour laquelle, la majorité des premiers autoportraits montrent des peintres à pas plus de demi-longueurs.

Les sujets des portraits

Un autoportrait peut-être un portrait de l'artiste ou un portrait d’un groupe de personnes. Plusieurs peintres représentaient des individus spécifiques, ou eux-mêmes sur des panneaux. Aussi ceux-ci peuvent peindre des figures religieuses ou d’autres types de composition sur tableaux. Ces peintures ne sont pas destinées au public pour décrire des personnes réelles comme eux-mêmes, mais les faits sont connus au moment où l'artiste présente l’autoportrait.

Les survivants des scènes médiévales et de la renaissance ont été représentés à l'aide d'un certain nombre de personnes réelles servant de modèles.

« En 1635, Francisco de Zurbarán représenta l'évangéliste Luc, aux pieds du Christ sur la croix. »

Galina Vasilyeva-Shlyapina distingue deux formes de base de l'autoportrait. Les professionnels des portraits, dans laquelle l'artiste est dépeint au travail.

Aussi, nous avons les portraits personnels qui révèlent les caractéristiques morales et psychologiques. Elle propose également une taxonomie plus détaillée. En effet, l’autoportrait insérable, où l'artiste insère son propre portrait dans, par exemple, un groupe de personnages liés à un sujet. Ensuite, le prestigieux ou autoportrait symbolique, où un artiste lui-même se dépeint sous les traits d'un personnage historique ou d’un héros religieux. En plus, le portrait de groupe où l'artiste est représenté avec des membres de la famille ou d'autres personnes réelles.

Enfin, l’autoportrait séparé ou naturel, où l'artiste est représenté seul. Un bon nombre de portraitistes arrivent à faire une combinaison de plusieurs d'entre eux.

L'artiste comme sujet

Les autoportraits de plusieurs artistes contemporains modernistes étaient souvent caractérisés par la narration, souvent, mais pas strictement limités aux vignettes de la vie des artistes. Souvent, le récit ressemble à de la fantaisie, un jeu de rôle et même à de la fiction.

En plus de Diego Velázquez, Rembrandt Van Rijn, Jan de Bray, Gustave Courbet, Vincent Van Gogh, Gauguin et Paul, les artistes dont les autres autoportraits révèlent des récits plus complexes s’ajoutent aussi Pierre Bonnard, Marc Chagall, Lucian Freud, Arshile Gorki, Alice Neel, Pablo Picasso, Lucas Samaras, Jenny Saville, Cindy Sherman, Andy Warhol et Gilbert et George.

L'autoportrait est une forme très efficace de publicité pour un artiste, surtout bien sûr pour un portraitiste. L’artiste Dürer n'était pas vraiment intéressé par les portraits dans son commerce, mais il fait bon usage de ses extraordinaires autoportraits.

Au cours de sa période de succès, l’artiste Rembrandt a fait sa vie principalement grâce à l'art du portrait, et comme Van Dyck et Joshua Reynolds, beaucoup de ses portraits étaient certainement destinés à la publicité de ses compétences. Avec l'avènement des spectacles réguliers de l'Académie, de nombreux artistes ont cherché à produire des autoportraits mémorables pour faire une impression sur la scène artistique.

Ces représentations incluent souvent l'artiste, ce qui donne à l'œuvre une fonction multiple comme le portrait et l’autoportrait. Dans ces œuvres, l'artiste apparaît généralement comme un visage dans la foule ou un groupe, souvent vers les bords ou les coins de l'œuvre et derrière les principaux participants. Cela a abouti au dix-septième siècle avec l'œuvre de Jan de Bray.

L’artiste Goya fit des autoportraits de lui-même à plusieurs reprises au début du dix-neuvième siècle. Une décision importante des portraitistes du dix-huitième siècle est qu’ils se peignaient à la fois dans un costume formel et informel dans leurs différents tableaux. La plupart des peintres célèbres nous ont laissé au moins un autoportrait. Gustave Courbet était le plus créatif dans les portraitistes du dix-neuvième siècle.

Artistes portraitistes célèbres

Au cours de la renaissance, les peintres italiens ont peint des autoportraits. La majorité des autoportraits de ces artistes étaient des représentations simples. Parmi d’autres, nous avons la mise en scène de Dürer, le portrait de Pietro Perugino et celui du jeune Parmigianino se montrant vu dans un miroir convexe. Il y a aussi un dessin de Léonard de Vinci en 1512.

Les artistes du nord ont continué à faire des portraits plus individuels, souvent ressemblants beaucoup à leurs autres frères bourgeois. En 1573, l’artiste Johan Gregor Van der Schardt se représenta sur un buste en terre cuite avec de la peinture.

Les artistes flamands et hollandais se peignent bien plus souvent au début du dix-septième siècle. À cette époque, les artistes les plus chevronnés avaient une position dans une société d’autoportraits. Plusieurs ont également peint leurs femmes et familles. Les artistes Anthony Van Dyck et Rubens Peter Paul ont représenté de nombreuses images d'eux-mêmes.

Autoportraits par Michel-Ange

En plus, nous avons les autoportraits dans les grandes œuvres de l’artiste Michel-Ange. Celui à représenter dans « le visage à la peau de saint Barthélemy dans le Jugement dernier » de la chapelle Sixtine entre 1536 et 1541.

Autoportrait par Titien

Les plus remarquables sont les deux portraits de Titien en 1560. L’artiste Paolo Veronese apparaît comme un violoniste vêtu en blanc dans sa « Noce de Cana », accompagné de Titien sur « la basse de viole » en 1562.

L’artiste Titien a également peint un autoportrait vers la fin 1567. Au début de sa carrière, l’artiste Caravage peint un autoportrait de Bacchus, cette œuvre apparaît alors dans le staffage de certains de ses grands tableaux. Celui-ci peint enfin la tête de Goliath détenu par David entre 1605 et 1610.

Autoportrait par Jan Van Eyck

En 1434, dans le célèbre portrait d'Arnolfini, l’artiste Jan Van Eyck est probablement l'un des deux personnages représentés. L’œuvre de l’artiste Van Eyck a ainsi inspiré Diego Velázquez, et il s’est représenté comme le peintre de « Ménines » en 1656. Ce fut une époque prospère pour l’artiste, étant donné qu’il était le peintre de la famille royale et était censé représenter les sujets principaux de la peinture.

Voir l'autoportrait par Jan Van Eyck

Autoportrait par Albrecht Dürer

Albrecht Dürer est un artiste peintre qui utilise le style naturaliste, il représenta un garçon de 13 ans en 1484 dans l’une de ses œuvres. Plus tard, il représenta plusieurs tableaux comme un marchand en arrière-plan de scènes bibliques, il représenta aussi le portrait de Jésus Christ.

Voir l'autoportrait par Albrecht Dürer

Autoportrait par Leonardo de Vinci

À l’âge de 60 ans, Leonardo de Vinci a peint un portrait de lui, aux alentours de 1512. Les artistes peintres reproduisirent souvent l'apparence de Léonard de Vinci sur des tableaux.

Voir les autoportraits de Leonardo de Vinci

Autoportraits de Rembrandt

Rembrandt a peint une série de plusieurs autoportraits au début du 17e siècle. En 1637, l’œuvre « le fils prodigue de la Taverne » représenta l'un de ses premiers autoportraits avec la famille incluant probablement Saskia, sa femme. L'une des premières représentations d'un membre de la famille dû à un artiste célèbre. À partir du dix-septième siècle, les peintures de la famille et de la profession, y compris la représentation de l'artiste, sont devenues de plus en plus courantes.

Voir les autoportraits de Rembrandt

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