Art gothique, caractéristiques et histoire du mouvement

L'art gothique est un mouvement artistique médiéval qui s'est développé dans la France romane au milieu du 12e siècle. Dirigé par le développement simultané de l'architecture gothique, l'art gothique s'étend à l'ensemble de l'Europe occidentale, mais conquiert surtout l'art au nord des Alpes.

Origines de l'art gothique

L'art gothique n'efface jamais tout à fait les styles plus classiques en Italie. Vers la fin du 14e siècle, le style sophistiqué du gothique international se développe et continue son évolution jusqu'à la fin du 15e siècle. Dans de nombreux endroits, notamment en Allemagne, l'art gothique tardif se poursuit jusqu'au 16e siècle, avant d'être englobé par l'art de la Renaissance.

Les médias primaires à l'époque gothique incluent la sculpture, la peinture sur bois, les vitraux, les fresques et les manuscrits enluminés.

Premières oeuvres au style gothique

La première oeuvre d'art de style gothique a été la sculpture monumentale sur les murs des cathédrales et des abbayes. L'art chrétien, de nature typologique, y montre l'histoire du Nouveau Testament et de l'Ancien Testament côte à côte. La vie des saints y est également souvent représentée. Des images de la Vierge Marie sont transformées de la forme byzantine emblématique à la forme d'une mère plus humaine et affectueuse, câlinant son bébé, se balançant de la hanche, et montrant les manières raffinées d'une dame de court aristocrate.

Le début du commerce de l'art

L'art séculier arrive au cours de cette période avec la montée des villes, la fondation des universités, l'augmentation des échanges commerciaux, la mise en place d'une économie fondée sur l'argent et la création d'une classe bourgeoise qui peut se permettre de fréquenter les arts et de commissionner des œuvres. Résulte de cela une prolifération des peintures et des manuscrits enluminés.

L'amélioration du niveau et un nombre croissant de littératures vernaculaires laïques encouragent la représentation de thèmes profanes dans l'art. Avec la croissance des villes, les guildes de commerce sont formées et les artistes sont souvent tenus d'être membres d'une des guildes de peinture. Grâce à cela, de plus en plus d'artistes nous sont connus par leur nom dans cette période que toute précédente.

Origine du mot gothique

Le mot « gothique » pour l'art est d'abord utilisé comme synonyme de « barbare », se nouant donc à une connotation péjorative. Ses détracteurs voient ce type d'art médiéval comme non raffiné et trop éloigné de l'esthétique et des proportions de l'art classique.

Des auteurs de la Renaissance estiment que l'invasion de Rome par des tribus gothiques en 410 a déclenché l'effondrement du monde classique et toutes les valeurs qu'il englobait. Au 15e siècle, plusieurs architectes italiens et hommes de lettres se plaignent que les nouveaux styles « barbares » constituent une menace semblable à la renaissance classique promue par le début de la Renaissance.

Critique envers l'art gothique

Le qualificatif « gothique » pour cet art est d'abord utilisé dans une lettre de l'artiste Raphaël au pape Léon X (1518), et est ensuite repris et popularisé par l'artiste et écrivain italien Giorgio Vasari, dès 1530, lorsqu'il qualifie l'art gothique de « désordre monstrueux et barbare ».

Raphael fait valoir que les arcs en ogive de l'architecture du Nord font écho à l'architecture des cabanes primitives des habitants des forêts germaniques, avec qui elles partagent la forme du pliage d'arbres. Ce mythe refera surface beaucoup plus tard et dans un sens plus positif, dans les écrits du mouvement romantique allemand.

« L'art gothique » a été vivement critiqué par des auteurs français tels que Boileau, La Bruyère, Rousseau, avant de devenir une forme d'art reconnue et que le libellé devienne fixe.

Molière fait un célèbre commentaire sur l'art gothique :

"... Le fade goût des monuments gothiques
Ces monstres odieux des siècles ignorants
Que de la barbarie ont vomit les torrents... »

L'art religieux

L'art religieux, ou art sacré est une forme d'imagerie artistique d'inspiration religieuse, contenant des motifs souvent destinés à élever l'esprit vers le spirituel. L'art sacré implique des pratiques de rite et de culte, et les aspects pratiques et opérationnels de la voie de la réalisation spirituelle au sein de la tradition religieuse de l'artiste.

L'art paléochrétien

L'art paléochrétien remonte près des origines du christianisme.

Les plus anciennes peintures chrétiennes survivantes sont à Megiddo, et datent des alentours de l'an 70. Les plus anciennes sculptures chrétiennes sont des sarcophages datant du début du 2e siècle. Jusqu'à l'adoption du christianisme par Constantin, l'art chrétien tire son style et une grande partie de son iconographie de l'art romain populaire, mais à partir de ce point, les grands bâtiments chrétiens construits sous le patronage impérial créent un besoin pour des versions chrétiennes de l'art d'élite et de fonctionnaires romains.

Parmi ces nouvelles oeuvres, maintes mosaïques dans les églises de Rome sont les exemples les plus frappants ayant survécu jusqu'à nos jours.

L'art chrétien dans l'Empire byzantin

Pendant le développement de l'art chrétien dans l'Empire byzantin, une esthétique plus abstraite remplace le naturalisme précédemment établi dans l'art hellénistique. Ce nouveau style est hiératique, c'est-à-dire que son objectif est de transmettre une signification religieuse plutôt que de faire précisément le rendu des objets et des personnes. Le point de vue réaliste, les proportions, la lumière et la couleur sont désormais ignorés en faveur d'une simplification géométrique des formes, une perspective inverse et des conventions normalisées pour dépeindre les individus et les événements.

La controverse sur l'utilisation d'images taillées, l'interprétation du deuxième commandement, et la crise de l'iconoclasme byzantin conduisent à une standardisation de l'imagerie religieuse au sein de l'orthodoxie orientale.

La peinture gothique

La peinture gothique telle qu'on la connaît n'apparaît pas avant environ 1200, soit près de 50 ans après les origines de l'architecture et la sculpture gothique.

La transition de l'art roman au gothique est très imprécise et les détails ornementaux gothiques apparaissent avant qu'un changement significatif ne soit remarqué dans le style des figures ou des compositions elles-mêmes.

Ensuite, les personnages deviennent plus animés dans la pose et l'expression faciale, ont tendance à être plus petits par rapport à l'arrière-plan des scènes et sont disposés plus librement dans l'espace pictural. Cette transition se produit d'abord en Angleterre et en France autour de 1200, en Allemagne autour de 1220 et en Italie autour de 1300. La peinture durant la période gothique est pratiquée dans quatre médias principaux : fresques, peintures sur panneau, enluminure de manuscrits et vitraux.

Fresques

Dans le sud de l'Europe, les fresques sont encore le principal outil de narration pictural, sur les murs des églises, comme dans les traditions chrétiennes et romanes. Un accident de survie donne au Danemark et à d'autres pays nordiques les plus grands groupes de peintures murales d'église dans le style de la Biblia pauperum, qui s'étendent habituellement jusqu'à des voûtes d'arêtes récemment construites.

Elles ont presque toutes été recouvertes de peinture à la chaux après la Réforme, ce qui les a conservées. Parmi les plus beaux exemples sont celles du Maître Elmelunde de l'île danoise de Møn, qui ont décoré les églises de Fanefjord, Keldby et Elmelunde.

Pour en savoir plus sur ce type de peinture, je vous invite à lire ce dossier totalement consacrer aux fresques.

L'art du vitrail

Dans le nord de l'Europe, le vitrail est une forme importante et prestigieuse de peinture jusqu'au 15e siècle, quand il est supplanté par la peinture sur panneau. La quantité de verre est considérablement augmentée dans l'architecture gothique de grands bâtiments, en partie pour permettre de grandes étendues de verre, comme dans les rosaces.

Au début de cette période, la peinture noire et le verre clair ou vivement coloré sont les matériaux majoritairement utilisés, mais au début du 14e siècle, l'utilisation de composés d'argent, peints sur le verre, permet un certain nombre de variations de couleur.

À la fin de cette période, on retrouve de plus en plus de grands morceaux de verre, avec des jaunes comme couleurs dominantes, et moins de petits morceaux de verre d'autres couleurs.

Les manuscrits et estampes

Les manuscrits enluminés constituent le vestige le plus complet de peinture gothique. Ils fournissent une évidence de style à des endroits où aucune autre œuvre monumentale n'a survécu. Les plus anciens manuscrits complets avec des illustrations gothiques françaises datent du milieu du 13e siècle. Plusieurs de ces manuscrits enluminés sont des bibles royales, bien que les livres de psaumes incluent aussi des illustrations.

Vers la fin des années 1200, les scribes commencent à créer des livres de prières pour les laïcs, souvent connus sous le nom de livres d'heures, en raison de leur utilisation à des moments prescrits de la journée. Les membres de la noblesse achètent souvent de tels textes, en payant grassement pour des illustrations décoratives.

À partir du milieu du 14e siècle, des recueils avec du texte et des images découpées en gravure sur bois deviennent abordables pour les curés dans les Pays-Bas, où ils sont le plus populaires. À la fin du siècle, les livres imprimés avec des illustrations, encore majoritairement sur des sujets religieux, ont deviennent rapidement accessibles à la classe moyenne, tout comme les gravures d'assez haute qualité par des graveurs comme Israhel van Meckenem et Maître ES.

Au 15e siècle, l'introduction d'imprimés à bon marché, surtout la gravure sur bois, rend possible, même pour les paysans, d'avoir des images de dévotion à la maison.

La peinture sur panneau

La peinture à l'huile sur toile n'est pas populaire avant le 15e et 16e siècle. Ce tournant est un point marquant de la Renaissance. Des peintres comme Robert Campin et Jan Van Eyck utilisent la peinture à l'huile pour créer des œuvres détaillées, correctes en perspective, dans lesquelles un réalisme apparent se mêle à un symbolisme riche et complexe résultant précisément du détail réaliste qu'ils peuvent désormais inclure même dans les plus petites œuvres.

La sculpture gothique

Les sculptures gothiques sont nées sur le mur de l'abbaye de Saint-Denis, au milieu du 12e siècle, en Île-de-France. Avant cela, il n'y a jamais eu de tradition de la sculpture en Ile-de-France. On fait donc appel à des sculpteurs de Bourgogne.

En Europe

Les idées françaises se propagent rapidement.

En Allemagne, l'impact est visible à partir de 1225 : la Cathédrale de Bamberg contient le plus grand ensemble de sculptures du 13e siècle, culminant en 1240 avec le Bamberger Reiter, la première statue équestre dans l'art occidental depuis le 6e siècle. En Angleterre, la sculpture se limite à des tombes et des décorations sans figurines (en partie à cause de l'iconoclasme cistercien).

En Italie, l'influence classique est encore grande, mais l'art gothique fait une percée dans les sculptures de chaires telles que la chaire du baptistère de Pise (1269) et la chaire de Sienne. Un chef-d'œuvre tardif de sculpture gothique italienne est la série des tombeaux de Scaligeri à Vérone (à la fin du 14e siècle).

La sculpture gothique évolue du style rigide et allongé, encore en partie roman, à un style plus naturaliste vers la fin du 12e siècle. Les influences des anciennes sculptures grecques et romaines sont incorporées dans le traitement de la draperie, l'expression faciale et la pose.

En Europe du Nord, le sculpteur néerlandais-bourguignon Claus Sluter et d'autres introduisent le naturalisme et un certain degré de classicisme au début du 15e siècle, qui continue à se développer tout au long du siècle de sorte que lorsque le passage à la Renaissance arrive, il est principalement marqué par un changement dans les milieux architecturaux, les costumes et une certaine réduction de complexité des compositions.

Le style gothique international

Le gothique international est une phase de l'art gothique qui s'est développée en France et en Italie du Nord entre la fin du 14e siècle et le début du 15e. L'art gothique international s'est ensuite propagé très largement à travers l'Europe occidentale, d'où l'appellation datée d'« international », qui est introduite par l'historien de l'art français Louis Courajod à la fin du 19e siècle.

L'adoration des Mages

Durant cette période, les artistes et les œuvres portables telles que les manuscrits enluminés voyagent beaucoup à travers le continent, créant une esthétique commune au sein de la royauté et de la haute noblesse, et réduisant considérablement la variation de styles nationaux parmi les œuvres produites pour les élites de la cour. Les principales influences proviennent de la France du Nord, du duché de Bourgogne, de la cour impériale de Prague, et d'Italie.

Les mariages royaux tels que celui entre Richard II d'Angleterre et Anne de Bohême contribuent également à répandre le style. Le « gothique tardif », une évolution de l'art gothique, en particulier dans ses éléments décoratifs, peut encore être trouvé en Europe du Nord jusqu'au début du 16e siècle.

Le développement

La tangente Bohême, ou bohème, du style se développe dans la cour de Charles IV, empereur romain germanique à Prague, qui, pour une brève période, devient une force de premier plan dans le développement de l'art européen. Charles descend de la dynastie des Luxembourg, a été instruit par le futur pape Clément VI et, dans sa jeunesse, a passé 7 ans à la cour française, ponctués de 2 séjours en Italie. Cet avantage, ainsi que ses relations familiales, lui donne d'étroits liens avec les divers tribunaux de la France, y compris celui de la papauté d'Avignon.

Le style bohème ne partage pas les figures allongées des autres tangentes de l'art gothique, mais cela est compensé par une richesse et une douceur dans les figures féminines, caractéristique très influente sur le futur de l'art.

Fin de l'époque internationale

L'oeuvre L'adoration des Mages de Gentile da Fabriano est décrite comme le travail culminant de la peinture gothique internationale. Son dévoilement à Florence en 1423 est presque immédiatement suivi par la peinture de la chapelle Brancacci par Masolino et Masaccio (1424-1426), qui commence à évoluer du gothique vers un autre style.

D'une manière semblable, le chef-d'œuvre des frères de Limbourg, Les Très Riches Heures du duc de Berry est suivi, quelques années plus tard, par Les Heures de Turin-Milan, une continuation d'un manuscrit commencé des décennies plus tôt par le Maître Parement pour le Duc de Berry.

Malgré un cadre gothique, le Duc sera le pionnier d'un style de peinture très différent. En dehors de Florence et des tribunaux de premier plan, le style gothique international règne encore, se développant progressivement dans des directions qui, encore une fois, divergent considérablement entre l'Italie et l'Europe au nord des Alpes.

Simone Martini, le peintre gothique

Simone Martini est un peintre italien né à Sienne. Il est une figure majeure dans le développement de la peinture italienne et a grandement influencé le développement du style gothique international.

Selon la légende, Martini a étudié sous la tutelle de Duccio di Buoninsegna, l'un des peintres les plus en vogue de son temps. Selon le biographe de la Renaissance, Giorgio Vasari, Simone aurait plutôt été l'élève de Giotto di Bondone, avec qui il est allé à Rome pour peindre à la basilique du Vieux-Saint-Pierre. Le beau-frère de Martini est l'artiste Lippo Memmi.

Il y a très peu de documentation sur la vie de Simone, qui est sujet de débat chez les historiens d'art.

Début de l'artiste

Simone a sans aucun doute commencé son apprentissage à un âge précoce, ce qui est la norme à l'époque.

Parmi ses premières œuvres documentées est la Maestà (1315) dans le Palazzo Pubblico de Sienne. Une copie de l'œuvre, exécutée peu de temps après par Lippo Memmi, à San Gimignano, témoigne de l'influence durable des prototypes de Simone sur d'autres artistes du 14e siècle.

Perpétuant la tradition siennoise, le style de Simone est en contraste avec la sobriété et la monumentalité de l'art florentin, et est réputé pour ses éléments décoratifs doux et stylisés, ainsi que pour la sinuosité de ses lignes et son élégance.

Influences de l'artiste

L'art de Simone doit beaucoup à l'enluminure française et à la sculpture sur ivoire.

Des exemples de telles oeuvres sont présentées à Siennes au 14e siècle grâce à la Via Francigena, un pèlerinage et une route de commerce principale d'Europe du Nord à Rome. François Pétrarque se lie d'amitié avec Simone à Avignon, et dédie 2 sonnets (Canzoniere 96 et 130) à un portrait de Laure de Noves que Simone aurait peint pour le poète (selon Vasari). Un Christ découvert dans le Temple (1342) fait partie des collections du Walker Art Gallery de Liverpool.

Simone Martini est décédé alors qu'il travaille au service de la cour papale d'Avignon en 1344.

Les frères de Limbourg

Les frères Herman, Paul et Johan de Limbourg, Gebroeders van Limburg en néerlandais, sont de célèbres peintres hollandais de miniatures de la ville de Nimègue, actifs dans le début du 15e siècle en France et en Bourgogne.

Les frères de Limbourg travaillent dans le style gothique international, et créent l'une des plus célèbres enluminures du Moyen Âge tardif : les Très Riches Heures du Duc de Berry.

Famille de Limbourg

Le grand-père des frères, Johannes de Lymborgh, est venu de Limbourg pour s'installer sur la Vesdre à Nimègue, alors la capitale du duché de Gueldre. Le Fils de Johannes, Arnold, est un sculpteur sur bois qui travaille pour la cour ducale.

Autour de 1385, Arnold épouse Mechteld Maelwael ou Maloeul, fille d'une famille de peintres héraldiques. Herman (Hermant dans les sources françaises) est l'aîné de leurs enfants (né vers 1385), suivi de Paul (Polleke ou Polequin dans les sources françaises de 1386-87) et Johan (Johanneke ou Jacquemin, Gillequin, Jehanequin dans les sources françaises, 1388). Trois autres enfants, Rutger, Arnold et Greta, suivent.

Capturés à Bruxelles

Autour de 1398, après la mort de leur père, les frères sont envoyés chez leur oncle Jean Malouel (ou Johan Maelwael, Jehan Maleuel dans les sources françaises), le peintre le plus important des tribunaux français et bourguignons de l'époque. Herman et Johan apprennent sous cette tutelle le métier de l'orfèvrerie, à Paris.

Vers la fin de 1399, ils rendent visite à Nimègues, mais, en raison d'une guerre, sont capturés à Bruxelles. Comme leur mère ne peut pas payer la rançon de 55 écus d'or, la guilde des orfèvres locale commence à leur recueillir de l'argent.

Finalement, le roi Philippe le Hardi paie la rançon pour le bien de leur oncle Malouel, son peintre. Les deux garçons sont libérés en mai 1400.

Les travaux sur la bible

D'après les documents survivants, en février 1402, Paul et Johan sont contractés par Philippe le Hardi pour travailler pendant 4 ans exclusivement sur l'enluminure d'une bible.

Cela peut ou peut ne pas avoir été la Bible Moralisée (Ms.fr.166, BnF à Paris) qui est incontestablement une œuvre de jeunesse des frères Limbourg. Philippe II meurt en 1404, avant que les frères ne puissent terminer leur travail.

Jean de Berry, collectionneur d'arts et de livres

Après la mort de Philippe, Herman, Paul, et Johan, tard en 1404, commencent à travailler pour son frère, le Duc de Berry, collectionneur extravagant d'art et surtout de livres.

Leur première mission est d'enluminer un livre d'heures, maintenant connu sous le nom des Belles Heures du duc de Berry. Aujourd'hui, cette pièce d'Histoire de l'art est tenue dans le cloître du Metropolitan Museum of Art à New York.

Les Belles Heures est terminé en 1409, à la grande satisfaction du Duc de Berry, qui assigne aux frères un projet encore plus ambitieux : les Très Riches Heures du duc de Berry. Ce livre d'heures est considéré comme le sommet de l'enluminure médiévale tardive, et peut-être le livre le plus précieux du monde. Il est gardé au musée Condé à Chantilly, en France.

Paul est particulièrement en bons termes avec le Duc et reçoit une position au tribunal en tant que valet de chambre ou de préposé aux soins personnels (son oncle avait eu la même position avec le duc de Bourgogne). Le duc lui offre des bijoux et une grande maison à Bourges. Paul est attiré par une jeune fille, Gillette la Mercière, mais les parents de la jeune fille désapprouvent de l'union. Le Duc confine donc Gillette, et ne la libère que sur ordre du roi.

En 1411, Paul et Gillette s'épousent quand même, mais le mariage sera sans enfants (la jeune fille a 12 ans et son mari 24 ans à l'époque).

Décès

Dans la première moitié de 1416, le Duc de Berry et les trois frères Limbourg, tous âgés de moins de 30 ans, sont reportés comme décédés, possiblement de la peste, laissant le Très Riches Heures inachevé.

Un artiste non identifié (peut-être Barthélemy Van Eyck) travaillera sur les miniatures du calendrier célèbre dans les années 1440 quand le livre est apparemment en possession de René d'Anjou. En 1485, Jean Colombe terminera une fois pour toutes les Très Riches Heures, pour la Maison de Savoie.

Le travail des frères de Limbourg, pour la plupart inaccessible, sombre dans l'oubli jusqu'au 19e siècle. Néanmoins, ils ont servi d'exemple pour les générations de peintres les suivant, qui s'étend bien au-delà de la peinture miniature.

Ils ont travaillé dans une tradition d'Europe du Nord, mais affichent aussi des influences de modèles italiens.

Oeuvres d'art gothique

Voici quelques oeuvres d'art gothique réalisées par des artistes de divers siècles.

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