Histoire de l'art baroque

Ce style dit « baroque » a commencé autour de 1600, à Rome, en Italie, et a été ensuite étendu à la plupart de l'Europe.

Naissance du Baroque en Italie

Succédant à l’art de la Renaissance, le baroque émerge peu à peu en Italie, vers la fin du 16e siècle.

En architecture, la révolution baroque est à l’origine du renouvèlement du centre-ville de Rome, au début du 18e siècle ; c’est l’un des travaux d’urbanisme de plus grande échelle précédant les temps modernes.

Église et thèmes religieux

La popularité et le succès du style baroque ont été encouragés par l'Église catholique romaine qui avait décidé, à l'époque du concile de Trente, en réponse à la Réforme protestante, que les arts devraient communiquer sur des thèmes religieux et avoir une implication directe et émotionnelle.

Un moyen d'impressionner

L'aristocratie a également vu le style dramatique de l'architecture et de l'art baroque comme un moyen d'impressionner les visiteurs et d’exprimer sa puissance triomphante. Les palais baroques étaient construits autour d'une entrée du même style que celle des tribunaux, de grands escaliers et de salles de réception à l'opulence de plus en plus grande au cours du temps.

Définition de l'art baroque

Le mot baroque est dérivé du mot portugais « barroco » qui se réfère à une « perle rugueuse ou imparfaite », mais il est plus certainement entré dans la langue française par le latin ou l'arabe ou à partir d’une autre source.

En 1911, on pensait que ce terme était dérivé du mot espagnol « barrueco », c'est-à-dire une grande perle de forme irrégulière, et qu'il avait été utilisé pendant un moment dans le métier de bijoutier. En effet, certaines perles naturelles qui s'écartent des formes habituelles, régulières, sont connues comme des « perles baroques ». D'autres le font dériver du terme « baroco », une forme soi-disant difficile de syllogisme, en logique scolastique.

Comme la plupart des désignations périodiques ou stylistiques, le mot « baroque » a été inventé par les critiques ultérieures plutôt que par les praticiens de l'art dans les 17es et débuts du 18e siècle.

Le mot « baroque » peut simplement signifier que quelque chose est complexe, avec de nombreux détails, sans référence au style baroque des 17e et 18e siècles.

Les débuts du baroque en architecture et musique

Le terme « baroque » a d'abord été utilisé dans un sens péjoratif, pour souligner les excès et pour décrire une redondance excentrique et l'abondance de détails qui contrastaient fortement avec la rationalité claire et sobre de la Renaissance. Même si on a longtemps pensé le mot comme un terme critique, il a d'abord été appliqué à l'architecture.

En fait, il apparaît plus tôt dans le domaine de la musique, de façon anonyme, dans une revue d'octobre 1733 de Jean-Philippe Aricie de Rameau Hippolyte, et est imprimé dans le Mercure de France en mai 1734. La critique implicite de la nouveauté dans cet opéra était « du baroque », se plaignant que la musique manquait de mélodie cohérente, était remplie de nombreuses dissonances, sans cesse modifiées. Une critique de la vitesse dans la composition.

Utilisation du mot baroque aujourd'hui

Dans son acception moderne, le terme « baroque » peut encore être utilisé, généralement d’une façon péjorative, décrivant des œuvres d'art, de l’artisanat, ou la une conception que l’on pense « à ornementation excessive » ou comme synonyme de « byzantin », pour décrire la littérature, des logiciels, des contrats, ou des lois qui sont censées être excessivement complexes, indirects ou obscures et qui peuvent dissimuler ou mettre de la confusion dans leur sens.

Le mot « baroque » peut simplement signifier que quelque chose est complexe, avec de nombreux détails, sans référence au style baroque des 17e et 18e siècles.

Heinrich Wölfflin, l'inventeur du terme baroque

Le mot a d'abord été réhabilité par l'historien d'art d'origine suisse Heinrich Wölfflin dans son oeuvre « Barock and Renaissance », en 1888. Wölfflin a identifié le baroque comme un « mouvement importé en masse », un art antithétique de l’art de la Renaissance.

Il n'a pas fait la distinction entre maniérisme et baroque que les écrivains modernes font et il a ignoré la phase ultérieure qui a existé au 18e siècle.

Le baroque et l'absolutisme

Le mouvement baroque est souvent comparé à l'absolutisme, la Contre-réforme et le renouveau catholique, mais l'existence de l'art et de l’architecture baroque dans les pays non absolutistes et protestants en Europe occidentale témoigne de sa grande popularité.

La forme d’art baroque, la plus importante ayant eu cours durant la période commençant aux alentours de 1600 et se terminant dans le début du 18e siècle est la peinture.

La peinture baroque

L'art baroque est caractérisé par des couleurs riches et profondes ainsi qu’une lumière intense et des ombres importantes. Il est destiné à susciter l'émotion et la passion au lieu de la rationalité calme qui avait été prisée durant la Renaissance.

Par opposition à la Renaissance qui montrait généralement le moment avant qu’un événement ait lieu, les artistes baroques choisissent le point de vue le plus spectaculaire : le moment où l'action se produit. Michel-Ange, travaillant dans la Haute Renaissance, montrait David avant qu'il ne se batte avec Goliath. Dans l’art baroque, David est montré au moment même où il lance la pierre au géant.

Les peintres baroques peignent leurs sujets en plein dans l’action, comme les scènes de jeu du Caravage.

Ce même Caravage, ainsi que Johannes Vermeer et Rembrandt, jouent énormément avec les techniques de clair-obscur. Le peintre espagnol Velásquez, qui inspirera plus tard Francisco Goya, le romantique, est également l’une des figures de proue de la peinture baroque, tout comme Nicolas Poussin, et Pierre Paul Rubens, tous héritiers de l’art de la Renaissance.

Les artistes baroques choisissent le point de vue le plus spectaculaire : le moment où l'action se produit.

Les peintres célèbres de l'époque baroque

Parmi les plus grands peintres de l'époque baroque, on retrouve Le Caravage, Rembrandt, Rubens, Velázquez, Poussin et Vermeer.

Le Caravage est un héritier de la peinture humaniste de la Renaissance. Son approche réaliste de la figure humaine, peinte de façon spectaculaire sur un fond sombre a choqué ses contemporains et a ouvert un nouveau chapitre dans l'histoire de la peinture.

Ainsi, la peinture baroque dramatise souvent des scènes en utilisant des effets de lumière en clair-obscur. Ceci peut d'ailleurs être remarqué dans les œuvres de Rembrandt, Vermeer, Le Nain et De la Tour.

Le peintre flamand Antoine Van Dyck a également développé un style de portrait gracieux et imposant qui a été très influent, surtout en Angleterre.

L'influence de la peinture hollandaise

La prospérité de la Hollande du 17e siècle a conduit à une énorme production d’oeuvres d’art par un grand nombre de peintres qui étaient, pour la plupart, hautement spécialisés.

Ils peignaient des scènes de genre, des paysages, des natures mortes, des portraits ou des peintures d'histoire. Les normes techniques étaient très élevées et la peinture hollandaise à cet âge d'or a établi une nouvelle façon de peindre des sujets qui a été très influente jusqu'à l'arrivée du modernisme.

La peinture et la sculpture dans des contextes religieux

Le Concile de Trente, de 1545 à 1563, dans lequel l'Église catholique romaine répond aux nombreuses questions de réforme interne soulevées par les protestants et par ceux qui étaient restés à l'intérieur de l'Église catholique, s'est adressé aux arts figuratifs dans un passage court de ses décrets.

Cela fut ensuite interprété et expliqué par un certain nombre d'auteurs, comme Molanus, qui ont exigé que des peintures et des sculptures dans des contextes religieux représentent leurs sujets clairement et puissamment, avec le décorum, sans maniérisme.

Ce retour vers une conception populiste de la fonction de l'art ecclésiastique est considéré par de nombreux historiens de l'art comme ayant produit les innovations du Caravage et des frères Carrache. Ils ont tous travaillé en compétition pour les commissions de Rome vers 1600. Contrairement à Carrache, Caravage, qui persistait dans ses idées, a été critiqué pour le manque de religion dans son travail.

Cependant, bien que la peinture religieuse, la peinture d'histoire, les allégories et les portraits étaient encore considérés comme les sujets les plus nobles, les paysages, les natures mortes et les scènes de genre ont également été de plus en plus courants dans les pays catholiques et ont été les genres principaux des pays protestants.

La sculpture baroque

En sculpture, les artistes baroques ne dérogent pas trop des règles néoclassiques.

Cependant, contrairement à leurs collègues du néoclassicisme, les sculpteurs baroques utilisent des marbres colorés et font prendre à leurs mannequins des positions extravagantes.

Dans la sculpture baroque, la représentation de groupes de personnages a pris une importance nouvelle. On y trouve un mouvement dynamique et des formes en spirales qui atteignent l'extérieur dans l'espace environnant.

La sculpture baroque peut être appréciée sous de multiples angles de vue. Elle représente une évolution par rapport à la sculpture produite durant la Renaissance et s'éloigne de la sculpture créée en rond qui était conçue pour être placée au milieu d'un grand espace, telles les fontaines élaborées par Bernin Fontana dei Quattro Fiumi à Rome.

La fusion entre la sculpture et l'architecture

Le style baroque est parfaitement adapté à la sculpture. Avec Gian Lorenzo Bernini, la figure dominante de l'époque avec des œuvres d'art telles que The Ecstasy of Saint Theresa (1647-1652).

La sculpture baroque présente des éléments extra-sculpturaux comme l’éclairage des fontaines ou de l'eau. La sculpture et l'architecture fusionnent pour créer une expérience qui transforme le réel pour le spectateur.

La sculpture et l'architecture fusionnent pour créer une expérience qui transforme le réel pour le spectateur.

La Réforme protestante sonne l’arrêt presque total de la sculpture religieuse dans une grande partie de l'Europe du Nord et, bien que la sculpture laïque, en particulier pour les bustes et de monuments ou de tombes, ait continué, l'âge d'or Hollandais n'a pas de composante importante sculpturale en dehors de l'orfèvrerie.

Dans les pays catholiques, la sculpture était aussi importante que dans le Moyen Âge tardif. Les statues de souverains et de la noblesse sont devenues de plus en plus populaires.

Au 18e siècle, la sculpture a continué sur les lignes baroques, la fontaine de Trêve ne fut achevée qu'en 1762. Le style rococo était mieux adapté aux petites œuvres comme les décorations en bois ou en plâtre tels que celles que l’on trouve dans les intérieurs domestiques français, autrichiens et dans les églises bavaroises de pèlerinage.

Aleijadinho, au Brésil, a été également l'un des grands noms de la sculpture baroque et son œuvre maîtresse est l'ensemble des statues de la Santuário de Bom Jesus de Matosinhos à Congonhas.

Le Bernin

L'architecture, la sculpture et les fontaines du Bernin donnent un style baroque très chargé caractéristique.

Bernin fut sans doute le plus grand sculpteur de l'époque baroque. Il s'approcha de Michel-Ange dans son omni compétence. Le Bernin sculpte, travaille comme l'architecte, peint, écrit des pièces et met en scène des spectacles.

Dans la fin du 20e siècle, Bernin était le plus apprécié pour sa sculpture, à la fois pour sa virtuosité avec le marbre et sa capacité à créer des figures qui allient le physique et le spirituel. Il était aussi un sculpteur de portraits en buste très demandé parmi les puissants.

Bernini est mort en 1680, mais son héritage a été absorbé par les peintres, sculpteurs, et architectes dans leur travail de la première moitié du 18e siècle, en particulier en Bavière, en France et en Autriche.

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